Kritik zur konzertanten Auff�hrung von Vincenzo Bellinis Norma im Aalto-Theater Essen
In: Orpheus 10/2002, S. 18f. (gek�rzt abgedruckt, nachstehend vollst�ndig wiedergegeben / zur aktuellen Ausgabe)

Fand Norma bei ihrer Urauff�hrung 1831 an der Mail�nder Scala ein geteiltes Echo, dessen unfreundlichen Anteil der Komponist auf "eine starke Clique, die mir feindlich gesinnt war" zur�ckf�hrte, so mu� sich dieser Tage vor allem die Abendbesetzung beweisen - Bellinis Oper ist l�ngst etabliert, ja genie�t als exorbitante s�ngerische Herausforderung Kultstatus. Um so mehr stellt eine konzertante Auff�hrung eine Herausforderung dar, liegt die Aufmerksamkeit doch ausschlie�lich auf den vokalen Leistungen, die durch keinen szenischen Ausdruck beeintr�chtigt, von diesem aber auch nicht bem�ntelt werden k�nnen. Die gr��ten Erwartungen kn�pften sich im Aalto-Theater zweifellos an  L u a n a  D e V o l  (in Essen j�ngst als F�rberin in Die Frau ohne Schatten zu erleben), die sich im hochdramatischen Fach nicht zuletzt als Br�nhilde (u.a. in Bayreuth) Meriten erworben hatte. Was in der Partie der Br�nhilde weniger st�rend ins Gewicht f�llt oder als Mangel gar nicht zutage treten kann: ausladendes Vibrato und ungenaues Meistern virtuoser Passagen, beeintr�chtigt den Genu� bei Norma hingegen empfindlich. So sehr Frau  D e V o l  eine sp�rbare Identifikation mit der Titelrolle selbst unter Konzertbedingungen zugestanden werden mu� - stimmlich ist sie keine angemessene Norma. Vor allem die Koloraturen im ersten Akt gerieten s�mtlich zum ins Ungef�hre zielenden �rgernis. Ruhigere Passagen waren, obschon in allen Lagen sicher bew�ltigt, von sich ank�ndigendem Metall der �berbeanspruchung getr�bt. Der erste H�hepunkt und Publikumsfokus �Casta Diva� offenbarte diese M�ngel bereits zu Beginn des Abends deutlich.  S t e f a n  S o l t e s z  erschwerte seiner Protagonistin hier zudem eine souver�ne Gestaltung mit seiner Tempowahl, die kein S�nger der Welt ohne implantierten Blasebalg stre�frei h�tte ausf�llen k�nnen. Festzuhalten bleibt jedoch, da� Norma eine Figur mit Schicksal ist, und man wird nur in absoluten Ausnahmef�llen (Callas) erwarten d�rfen, da� eine S�ngerin und hervorragende Musikerin in der Lage ist, dieses Schicksal zu vermitteln, ohne auf das der eigenen Stimme unfreiwillig verweisen zu m�ssen. Von Herzen h�tte man Frau D e V o l, die immerhin, soweit in diesem S�ngern sehr zutr�glichen Theaterbau �berhaupt feststellbar, �ber eine gro�e Stimme verf�gt, ein Gegengewicht im m�nnlichen Part geg�nnt, - doch blieb sie auf sich allein gestellt: Der permanent ungl�cklich besetzte  J e f f r e y  D o w d  (v�llig unzureichend als Lohengrin, Kaiser und Cavaradossi) entt�uschte auch als Pollione mit kleiner und �beranstrengter, mitnichten heldischer Stimme. Das Beharren auf einer eindimensionalen, von der Psychologie der jeweiligen Rolle unbeeinflu�ten gesanglichen Gestaltung, der ungenaue Fokus der Stimme nebst Intonationsproblemen bei zus�tzlicher Abwesenheit jeden Legatos verderben dem Zuh�rer die Hingabe an die Musik. Zu w�nschen w�re  D o w d  eine regenerative Auszeit bei gleichzeitiger Besinnung auf sein angestammtes, lyrisches Fach. Durchaus vorteilhaft pr�sentierte sich hingegen  V i k t o r i a  V i z i n, die Adalgisas Lieb' und Leid mit runder, beweglicher, jugendlich frischer, wenn auch f�r die Partie etwas zu leichter Stimme zu Herzen gehend vermittelte.  M a r c e l  R o s c a  verlieh Oroveso stimmgewaltig m�nnliche Verve, verfiel aber, sicher wohlmeinend, ins unsch�ne Rufen. Der stimmlich blasse  H e r b e r t  H e c h e n b e r g e r  (Flavio) und der unausgeglichene, recht harte Sopran von  A s t r i d  K r o p p  (Clotilde) waren unter Ber�cksichtigung der bescheidenen Rollengr��e an diesem Abend weder ein Gewinn noch ein wirkliches �rgernis.  S t e f a n  S o l t e s z  wird man nicht nachsagen wollen, da� er die italienische Oper im Blut hat: Mit �berzogen langsamen Tempi, musikalisch unidiomatisch verschleppten oder gehetzten Ch�ren und - in den Introduktionen am auff�lligsten - bem�ht wirkender Agogik wurde er der Musik nicht gerecht. Dennoch: Die Essener Philharmoniker musizierten unter seiner Leitung kultiviert und klanglich ausballanciert. Die �u�erst heikle syntaktische Verklammerung der gro�en Duette mit ihrer Vielzahl von Stimmungswechseln und Neuans�tzen gelang ihm vorbildlich. Der Chor pr�sentierte sich von  A l e x a n d e r  E b e r l e  sauber einstudiert und beeindruckte sowohl mit volumin�sem Aplomb als auch durch �ngstlich-sensible Zartheit - bedr�ckend gelungen etwa das kollektive Erschrecken �ber das Schuldbekenntnis Normas. Der Abend wurde vom Publikum mit begeistertem Applaus aufgenommen.

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Durch Intrige zur Liebe

Kritik zur Inszenierung von Hector Berlioz' letzter Oper B�atrice und B�n�dict im kleinen Haus des Musiktheaters im Revier Gelsenkirchen
In: Orpheus 10/2002, S. 19 (gek�rzt abgedruckt, nachstehend vollst�ndig wiedergegeben / zur aktuellen Ausgabe)

Wo l��t ein Regisseur die S�nger agieren, wenn die komplette B�hne durch das Orchester besetzt ist? Im Orchester nat�rlich. So geschehen in der Inszenierung von Berlioz' letzter Oper B�atrice und B�n�dict im kleinen Haus des Musiktheaters im Revier Gelsenkirchen. Im Unterschied zu Lorenzo Fioronis M�nsteraner Ansiedelung von Cosi fan tutte im auf der B�hne getreulich nachgebildeten Orchestergraben blieb Immo Karaman platztechnisch wirklich kaum anderes �brig: Er mu�te die Handlung ins Orchester verlegen und die S�nger als Orchestermusiker einf�hren. Da� aus echter Not auch echte Tugend erwachsen kann, diesen Beweis konnte er in Gelsenkirchen zur, es sei vorweggenommen, gro�en Freude des Publikums wohl f�hren. Zu erleben war bei Karaman zun�chst das mehr oder weniger wohlwollende Miteinander innerhalb der bekannt heterogenen Gruppe der Orchestermusiker und Choristen w�hrend eines normalen Probentages. Die eigentlich spritzige Ouvert�re wurde von der Neuen Philharmonie Westfalen unter den inszenierten (und sehr berechtigten - "mehr Leichtigkeit!") Zwischenrufen von Samuel B�chli wenig luzide musiziert. Da� es sich hier nicht ausschlie�lich um die beabsichtigt realistische Darstellung einer allt�glichen Probe handelte, wu�te, wer im letzthin im gro�en Haus in Szene gegangenen Liebestrank miterlebt hatte, wie eine witzige, luftige Musik durch verschleppte und inflexible Tempi nebst einem kompakten, schlecht intonierten Orchesterklang S�ngern und Zuh�rern zur Marterstrecke ausgebreitet wurde. Im Unterschied zu seinem Kollegen Bernhard Stengel bei Donizetti unterst�tze B�chli seine S�nger allerdings mit angemessenen, beweglichen Tempi und erm�glichte ihnen die einwandfreie Bew�ltigung sowohl gro�er Koloraturarien - bravour�s, wenn auch sehr vibratoreich Noriko Ogawa-Yatake in der Eingangsarie der Hero - als auch liedhafter Formen: von r�hrender Zartheit Heros und Ursules (Anna Agathonos) Duo-Nocturne zum Ende des ersten Aktes. James McLean bestach zuvorderst durch seine perfekte Einf�hlung in die Rolle des nerv�s-verklemmten Kontrabassisten B�n�dict, der durch wohlwollende Intrige zur Liebe mit der Oboistin B�atrice erst hingesto�en werden mu�. Da� sein lyrischer Tenor obschon von einheitlicher und erm�dungsfreier Beherrschung aller Lagen best�ndig belegt klang, bedeutete einen bedauernswerten Abstrich am vokalen Genu�. Anke Sieloff �berzeugte hingegen sowohl szenisch als zickigst m�gliche Xanthippe in spe wie auch gesanglich mit einem allen Anforderungen gewachsenen forschen Mezzo. Der Schlu�applaus best�tigte ihre herausragende Leistung in einer Partie, �ber die Berlioz selbst urteilte: "Die Beatrice zu spielen, bedarf es einer Frau von gro�em Charakter". Erin Caves als Claudio und Nicolai Karnolsky als Don Pedro hatten wenig, der versierte Spa�macher Joachim Gabriel Maa� als Somarone praktisch keine M�glichkeit, ihre Stimmen nennenswert unter Beweis zu stellen. Sie fungierten ihren Partien angemessen im Wortsinne als supporting actors einer Handlung, die sie als Typen anlegt, w�hrend einzig die beiden Hauptpersonen eine Entwicklung erfahren - jene von Beziehungsskeptikern zu gl�hend Verliebten und schlie�lich Bindungswilligen. Karaman folgte Tim Alberys Amsterdamer Inszenierung des Vorjahres in der Erg�nzung der Belauschungsszene unter den m�nnlichen um eine genaue Parallele unter den weiblichen Akteuren, verzichtete aber im Interesse gebotener Kurzweil auf textliche Erweiterungen unter Zuhilfenahme der Shakespeareschen Vorlage �Viel L�rm um nichts�. Die Verlegung, ja Entwurzelung der Szene - das soll bei aller Wertsch�tzung der Inszenierung nicht verschwiegen werden - bringt nat�rlich unaufl�sbare Probleme mit sich bzw. l��t sich keineswegs glaubhaft durchhalten. Kann der Eingangschor "Der Mohr ist bezwungen" noch als Probensituation glaubhaft gemacht werden, so l�st sich die Handlung sowohl durch die getreue �bersetzung von Wulf Konold und Dagny M�ller (etwa: "Was genau meint ihr, Herrin?" oder: "Euer Antlitz leuchtet vom Glanz des Sieges!") als auch durch das wirklichkeitsferne, pausenlose Herumturnen im Orchesterproberaum von den gew�hlten Grundparametern der Szene: musikalische Probe, Rivalit�ten unter Musikern. Dies soll dem Regisseur jedoch ohne Z�gern nachgesehen werden, denn er versucht nicht, diesen Bruch zu verschleiern, sondern spielt damit: Niemand wird ernstlich vermuten, da� Musiker sich gegenseitig an einen Kontraba� gefesselt in den Schn�rboden ziehen ... - also alles cum grano salis. Dieses Augenzwinkern wurde vom Publikum gerne aufgefangen, denn alle Mitwirkenden, eingeschlossen der Dirigent - real und auf der Metaebene als Leiter der inszenierten Probe - waren mit Feuereifer und szenischem Witz bis zum Schlu� dieses zweieinhalbst�ndigen Vergn�gens bei der Sache. In das summarische Lob ist auch der Chor einzubeziehen, der ein Panorama glaubhafter Einzelpers�nlichkeiten entstehen lie� und auch musikalisch mit Ironie und Freude je nach Erfordernis der Szene den Gesangsverein der Nachbarkneipe oder einen vorbildlich kultivierten Klangk�rper gab - Empfehlung: Reingehen!

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Giovanni im Jugendclub

Kritik zur Inszenierung von W. A. Mozarts Don Giovanni  im Rahmen der RuhrTriennale, Festspielhaus Recklinghausen
In: Orpheus 12/2002, S. 42 (zur aktuellen Ausgabe)

Von ganz eigenem Reiz ist es, wenn das in Liebe, Begehren und Ha� miteinander verbundene Personal von Don Giovanni wirklich im heiratsf�higen Alter ist: Selten waren Zerlina (Maria Fontosh) und Donna Anna (Maria Bayo) so jugendlich-begehrenswert, war Don Giovanni (St�phane Degout) so juvenil-triebgesteuert und Masetto (Markus Butter) so verzweifelt eifers�chtig wie in Klaus Michael Gr�bers Inszenierung anl��lich der diesj�hrigen RuhrTriennale. Jos� Fardilha gab im Ruhrfestspielhaus Recklinghausen als Leporello gl�nzend den Conferencier des Abends, ohne ins sonst h�ufig zu beklagende Klamottenhafte zu verfallen - wie auch Donna Elvira (Catherine Naglestad) gekonnt vermied, ihre D�piertheit der L�cherlichkeit preiszugeben oder ihre Rage in Hysterie umschlagen zu lassen. Toby Spence verlieh Don Ottavio �ber dessen bekannt wortreiche Tatenlosigkeit hinaus eine ber�hrend somnambule Aura. Diesen Eindruck unterst�tzte, wenn auch unbeabsichtigt, die Zartheit seiner lyrischen Stimme. Zweifellos w�chst mit diesem jungen Tenor eine sch�ne Hoffnung f�r die Partie heran - doch �berfordert sie ihn augenblicklich noch. Bayo, die sich ihren gro�en Arien mit jener unverspannten Konzentration zuwandte, die sich magisch auf das Publikum �bertr�gt, sowie Fontosh und Naglestad umgarnten Mitspieler und Publikum mit geschmeidigen, nuancenreichen Stimmen von in Ans�tzen jugendlich-dramatischer bis soubrettenhafter Pr�gung. Degout gl�nzte mit erotisch-irisierendem Kavalierbariton, Fardilha mit blendend fokussiertem Buffotimbre, w�hrend Butter sich stimmlich durchaus als Anw�rter auf das seri�se Fach pr�sentierte. Masettos Eifersucht wurde so dankenswerterweise die h�ufig erlebbare N�he zur albernen Emp�rung des Dorfdeppen genommen. Wenn Hans Zender am Pult des ebenso disziplinierten wie klangsch�nen paneurop�ischen Mahler Chamber Orchestras Don Giovanni mit pr�ziser Wucht schlie�lich in den Orkus schickt, dann glauben wir Anatoli Kotschergas majest�tischer Ba�gewalt, da� der reulose S�nder dem H�ndedruck des Komturs nicht anders als tot entrinnen kann.
   Gr�bers Inszenierung in den Bildern Eduardo Arroyos und den Kost�men Rudy Sabounghis suchte nicht, die disparaten Sph�ren, Schmerz und Schrecken neben Komik und Ausgelassenheit, zu vers�hnen. Er akzeptierte den Kontrast und betonte ihn lustvoll - das Publikum folgte ihm gerne.

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